Ao fim de quase 4 anos de joalharia, achei que estava na altura de ter uma bancada de joalheiro decente, especialmente porque quando acabar o curso vou deixar de ter acesso ao atelier e preciso do meu espaço o mais profissional possível.
Infelizmente é um grande investimento e por isso tenho vindo a adiar a coisa a favor de ferramentas mais urgentes, enquanto continuava a trabalhar numa cómoda alterada.
Estava a fazer contas para ver quanto é que tinha de poupar daqui até aos meus anos, quando o Pedro sugeriu que eu procurasse uma em segunda mão. Disse-lhe que já tinha andado a ver e, não só o preço não era assim tão mais baixo como depois tinha que a ir buscar ao norte (onde fica a maioria das fábricas de ourivesaria).
Em vez da resposta esperada ele disse “E então? Vamos lá buscar. Já passo tanto tempo em viagens que seis horas de carro não é nada.”
Com um empurrão destes era difàcil de resistir. Encontrei uma bancada usada a um preço aceitável, velhinha mas que não parecia estar a cair, contactei o dono e combinámos o encontro.
No domingo deixámos os miúdos com os meus pais e lá fomos nós até Gondomar. Três horas depois demos com o sítio, esperámos à porta que o senhor chegasse de uma festa de anos, e lá fomos ver a coisa.
Fiquei a saber que o senhor tinha comprado uma casa com um anexo nas traseiras onde funcionava uma oficina de ourivesaria que entretanto faliu. Os ourives levaram quase tudo mas deixaram duas bancadas de madeira completamente a cair e aquela, que estava usada, suja e um bocado ferrugenta mas usável.
O senhor ajudou o Pedro a carregar a bancada (que era de ferro e por isso mais pesada do que parecia) por um caminho que incluiu passar por cima de umas tábuas e descer umas escadas àngremes. Metemos aquilo no carro, com a certeza que levávamos umas quantas aranhas de Gondomar de volta connosco, e lá fizemos mais três horas de caminho para casa.
De facto, fazer isto de seguida, apesar das estradas serem boas, não é assim tão agradável. Mas pronto, também não é todos os dias.
Quando cheguei a casa reparei que o vendedor tinha deixado uma série de coisas na gaveta de cima e descobri, no meio de muito lixo, uns cadernos com apontamentos sobre as medalhas que eles produziam, uma caixinha com os moldes de algumas dessas medalhas, umas serras em bom estado e um conjunto de limas ferrugentas mas que espero conseguir recuperar.
Passei um dia a limpar aquilo o melhor que pude e ainda falta tirar a ferrugem, pintar e eventualmente mudar os puxadores das gavetas para dar um ar mais simpático à bancada. Estou desejosa de a começar a usar mas sei que se não perco um bocadinho a pà´-la em condições arrisco-me a que se deteriore mais, o que era uma pena depois deste trabalho todo.
Trip to Gondomar – buying an old jeweller’s bench
After studying jewellery for 4 years I felt it was time to get a proper jeweller’s bench. Unfortunately it’s not the cheapest piece of furniture, which is why I’d been delaying its purchase for so long.
The second hand benches I found online were either in a terrible state or not that much cheaper than a new one. On top of that, the jewellery industry in Portugal is mainly in the northern area of the country so it would mean travelling a long way to get it.
I spoke to my husband about it and he wasn’t chocked about making the trip so I searched again and found one that looked recoverable and wasn’t too expensive.
It took us a day to get there and back but I’m now the proud owner of a proper jeweller’s bench. It just needs a little love and attention.
O fio metálico torcido dá um ar muito decorativo à s peças e pode ser usado de diversas formas – à volta da cravação de uma pedra, para fazer argolas decorativas ou caracóis.
Aqui estão uns exemplos de peças onde usei fio torcido:
Desde que se tenham em conta alguns detalhes importantes, torcer fio metálico é muito simples e não requer nenhum instrumento em particular, apesar do meu método preferido ter ferramentas que facilitam o processo.
1. O mais importante antes de começar é ter a certeza que o fio metálico está mole, ou seja, que foi recozido, senão pode partir. Este pode ser comprado já assim ou ser recozido por nós, com o uso de um maçarico. Um maçarico de cozinha comum serve para este efeito.
Se quiser saber como recozer fio metálico, pode ver este vàdeo.
2. Os fios têm de ser mantidos esticados durante o processo.
3. Podemos utilizar dois fios ou um só fio dobrado ao meio. A segunda hipótese é mais fácil se só usarmos alicates.
4. Para torcer o fio há diversas possibilidades. A minha favorita é prender uma ponta dos arames num porta cavilhas e a outra num torno de bancada. Rodo o porta cavilhas até o fio estar enrolado uniformemente. Se notar que parte do arame não enrola tão bem, aqueço essa zona com um maçarico, para recozer.
Em alternativa podemos usar dois alicates, um em cada ponta ou um berbequim eléctrico.
Tutorial – twisting wire
Twisted wire is very decorative and can be used in several different ways – wrapped around a bezel, to make decorative jump rings or swirls.
So long as you pay attention to a couple of important details, it’s very easy to twist wire and it doesn’t take any special tools, though the method I prefer does use a couple of specific items that make it easier.
1. Make sure to use dead soft wire. Wire hardens as you twist it, so it must be soft to begin with or it will break. You can buy dead soft wire or anneal whatever wire you have, using a torch. A simple kitchen hand torch will do.
If you want to know how to anneal, wire, you can watch this video.
2. The wire must be kept taut, so you need to hold it at both ends and keep a certain amount of tension on it.
3. You may use two wires or a single wire bent in half. The second is easier to hold if you only use pliers
4. You can use several different tools to achieve the same effect. My favourite is to hold one end of the wires in a bench vice and the other in a pin vice. I twist the pin vice until all the wire has been uniformly twisted. If a certain area doesn’t twist as well, I heat it with my torch to anneal it.
Alternate methods include holding the wire between two pliers, which I find more difficult to control, or using an electric hand-drill.
Criei um video sobre a oxidação ou aplicação de patina em cobre ou prata.
O produto quàmico utilizado chama-se sulfureto de potássio, também conhecido como fàgado de enxofre. No seu estado natural é formado por umas pedrinhas que podem ser dissolvidas em água quente mas também se comercializa já diluàdo, em estado làquido ou em gel. Eu utilizo a versão làquida.
Aconselho a utilização de luvas, avental e eventualmente máscara quando se trabalha com este ou outros quàmicos. É essencial utilizar o sulfureto de potássio num local bem ventilado porque o cheiro é muito forte e desagradável e a inalação é desaconselhada e pode causar dores de cabeça ou até tonturas.
As instruções dizem para misturar uma pequena quantidade do làquido com água quente mas ao fazer isso o sulfureto de potássio perde a força rapidamente e serve apenas para uma única aplicação. Parece-me um desperdàcio muito grande porque normalmente só preciso de oxidar uma ou duas peças de cada vez, por isso costumo usar o làquido directo da garrafa, sem diluição adicional. Assim, o que sobra pode ser deitado de volta para o frasco e não se perde tanto de cada vez.
Em vez de aquecer a solução aprendi que aquecer o metal funciona igualmente bem. Pode-se colocar o metal em água quente ou aquecer com o maçarico e depois mergulhá-lo no làquido ou utilizar um pincel para cobrir o metal com o sulfureto de potássio. A técnica do pincel é particularmente indicada nas situações em que só queremos oxidar certas zonas de uma peça.
Ao por e tirar o metal dentro da solução de sulfureto de potássio devemos evitar a utilização de utensàlios ferrosos, tais como pinças ou alicates de ferro ou aço, porque o metal reage com o quàmico, que é corrosivo, e vai enferrujar. O ideal é usar pinças de plástico ou latão.
No final deve-se lavar muito bem o metal para soltar as pequenas partàculas que se formam na superfàcie do metal. Há muita informação pela internet que defende que o làquido se devia neutralizar com bicarbonato de sódio, mas como são ambos compostos básicos isso não faz sentido.
No final deixo a solução num frasco, a apanhar luz. Quando passa de amarelo para incolor quer dizer que perdeu a força pelo que pode ser deitado pelo cano ou, aparentemente, no jardim, uma vez que é um dos ingredientes na composição dos fertilizantes para plantas.
Oxidizing copper or silver with liver of sulfur
I’ve made a video on how to oxidize, or apply patina, to copper or silver.
The chemical compound used in this video is potassium sulfide, also known as liver of sulfur. In its natural state it’s a solid, like little crumbly pebbles, that can be dissolved in hot water. It’s also sold already in liquid form and also as a gel. I use the liquid version.
I strongly advise the use of gloves, apron and perhaps even a mask when working with this or other chemicals. It’s essential to work in a well ventilated ares because the smell is quite strong and unpleasant and inhalation is not advised as it can cause headaches and dizziness.
The instructions for the liquid liver of sulfur say that you should mix a small amount with hot water, but if you do this the liver of sulfur will be weak and lose its strength quickly, so you can only use it once. It seems quite a waste to me because I tend to work in small batches, so I use it directly from the bottle. This way, whatever is left can be poured back into the bottle for next time.
Instead of heating the solution I’ve learned that heating the metal works just as well. You can place the metal in hot water before dipping it into the liver of sulfur or heat it up with a torch and then applying the liver of sulfur with a paintbrush. The brush technique is particularly useful when you only wish to oxidize certain areas.
When you remove the metal from the liver of sulfur you should avoid using ferrous utensils, such as iron or steel tweezers or pliers. Liver of sulfur is a corrosive and will cause your tweezers to rust. Instead, try using plastic or brass tweezers.
After removing the metal from the solution you should wash it thoroughly to get rid of any particles that cover the metal so they won’t be released later on, when in contact with the skin. I’ve seen many recommendations to neutralize the LOS in baking soda but since they’re both basic that makes no sense. Just dilute to make it weaker.
Before throwing away whatever is left of the solution, I usually keep it in a jar for a few days in sunlight until it goes clear. That way I know it’s no longer active and I can throw pour it down the pipes. Apparently you can also water your plants with it as it’s one of the ingredients in plant fertilizers.
Quem trabalha com minerais tem noção que há uma diferença de dureza entre pedras. No trabalho de joalharia é importante perceber quais são as pedras mais e menos resistentes a danos, tanto durante o processo de produção como durante o uso da peça depois de terminada.
Por exemplo, ao cravar um topázio podem-se limar as pontas das garras sem perigo de danificar a pedra mas o mesmo não ocorre com uma turquesa ou uma pérola. Isto deve-se ao facto do topázio ser mais duro do que o metal da lima enquanto a turquesa é mais mole.
Percebi que passava imenso tempo à procura desta informação, quando trabalhava com minerais menos comuns, e por isso resolvi criar um documento onde juntei, por ordem de dureza da escala de Mohs, os minerais, metais, abrasivos e outros materiais que achei úteis. Como é particularmente difàcil encontrar este tipo de informação em Português, dei-me ao trabalho de traduzir os nomes dos materiais para facilitar a vida a quem quiser pesquisar mais informação sobre um determinado mineral.
Aqui está então o resultado dos últimos dias de trabalho de pesquisa:
Mohs Scale – hardness scale for minerals, metals and other materials
When you work with minerals you notice there’s a difference in hardness between gemstones. As a jeweller you must know which gemstones are resistance to damage, both during the creation process and afterwards, while wearing the piece.
For example, while setting a topaz you can file away the ends of the claws without damaging the stone. The same is not true for a turquoise or a pearl. This happens because the topaz is harder than the metal of the file but the turquoise isn’t.
I noticed I wasted a lot of time looking for this kind of information when working with unusual minerals, so I created a document where I gathered all the minerals I could find (that are used in jewellery) as well as metals, abrasives and other materials that I found useful. I ordered them from the softest to the hardest in the Mohs scale.
So here is the result of my research for the last few days:
Fiz um video que mostra como recozer arame de cobre fino. O mesmo método pode ser utilizado para recozer prata e latão. Para recozer arame mais grosso convém enrolar o arame em espiral e atar com fio de ferro para evitar que a espiral abra à medida que o arame aquece.
No vàdeo utilizo uma base de soldar perfurada e outra branca mas não é preciso ter as duas. A base também pode ser um tijolo ou azulejo resistente ao calor com um carvão por cima. Só deixei de usar o carvão porque queima muito rapidamente.
Utilizo uma chapa de aço para proteger a madeira da minha mesa, por baixo da zona de soldadura, para o caso do metal quente cair para fora da base de soldar. Tenho também tijolos resistentes ao calor a rodear a base de soldadura para concentrar o calor e evitar acidentes.
O maçarico de mão que uso no video é da Clarke Weld e foi encomendado de Inglaterra. Qualquer maçarico serve para este efeito desde que permita controlar a intensidade da chama. Para fio mais grosso ou chapa é necessário um maçarico maior que produza mais calor.
Neste caso, a chama deve estar relativamente baixa para evitar que o arame derreta, por ser tão fino. Convém também manter a chama em movimento constante para aquecer o metal uniformemente.
Depois de recozer o metal, coloco-o no làquido de branqueamento aquecido, que é um ácido. Originalmente utilizava-se ácido sulfúrico mas hoje em dia utilizam-se ácidos mais fracos e mais seguros, que já não deixam buracos na roupa nem grandes queimaduras na pele. O meu branqueamento está num contentor eléctrico com termostato que mantém a temperatura constante. Um contentor de pirex sobre um fogão de campismo ou chapa portátil eléctrica também funciona bem mas é preciso ter atenção para não deixar aquecer demasiado porque o ácido queima e torna-se inútil.
Uso uma escova de dentes macia para lavar o arame depois de branquear porque não quero que endureça novamente com demasiada fricção. Para chapa metálica, que não sofre deste problema, utilizo uma escova de latão (catrabucha).
Aqui está o video (em inglês):
Annealing wire
I made the above video to show how to anneal thin copper wire. The same method can be used for silver or brass and for thicker gauge wire. Thicker wire should be kept in a tight coil with the use of binding wire.
I use a honeycomb soldering base and a white soldering block, but you don’t need both. Even a heat resistant tile with some charcoal on top will do.
The wood surface of my table is protected by a sheet of steel in case hot metal falls off the soldering block. I have heat resistant bricks around the soldering area to concentrate the heat and avoid accidents.
The torch I use is a Clarke Weld mini torch, that I ordered from the UK, but any torch will do. For thicker wire you will need a larger torch that creates more heat.
Remember to keep the flame relatively low to prevent wire from melting, and keep the flame moving. The point is to heat the whole surface evenly.
After heating the wire I place it in a warm acid bath for a few minutes to clean the metal. I use safety pickle in an electrical container that keeps the temperature steady but a glass container over a heat plate will also work. Just remember to turn off the heat when you see vapour coming up. The acid will burn if it gets too hot and will become worthless.
I use a soft toothbrush to wash the wire because I don’t want to harden it again with too much scrubbing. For sheet metal, which doesn’t have that problem, I use a brass brush.
A joalharia é muito gira mas requer estar sentada na bancada, com a gaveta aberta sobre as pernas, a serrar, limar, polir, etc. à€s vezes apetece-me variar com algo que não requer tanto material ou postura tão ràgida. O trabalho em arame é ideal nesse sentido. Só preciso de arame e dois alicates. Posso sentar-me no sofá a ver tv e vou fazendo uns pendentes. A técnica de wire weaving (tecer com arame), em particular, é algo demorado e repetitivo e é sempre bom ter alguma distração para parecer menos trabalho.
Para me ajudar no inàcio de um projecto de wire weaving, em particular a escolher o padrão que quero usar, fiz um sampler das várias tramas. Quem conhece os meus posts anteriores sabe como gosto de ter tudo organizado e fazer samplers dos materiais, cores, pedras, etc, que tenho disponàveis.
Quando começo uma peça nova, especialmente quando tenho de trabalhar com muitos arames ao mesmo tempo, gosto de usar o punho de madeira para segurar os arames. Dá estabilidade e poupa-me as mãos que, sem aquilo, têm de fazer muita força para não deixar fugir os arames.
Este punho de madeira é muito usado na joalharia para segurar anéis ou pequenas peças de chapa metálica enquanto se lima, mas é também uma grande ajuda para quem trabalha com arame.
A alternativa mais usada por quem não tem esta ferramenta é prender os arames com fita de pintor. Outros utilizam pinças ou grampos e até forceps cirúrgicos. É preciso sem criativo para poupar os dedinhos.
Wire weaving tips – sampler and ways to hold your wires
I’ve recently returned to wire work.
I love silversmith projects but I have to sit at my bench, with the drawer open over my legs, while I saw, file or polish. Sometimes I just want to get out of there for a bit and wire work is ideal because it doesn’t require a lot of tools. I can pick up a couple of pliers and some wire and sit on the couch, watching tv while I make a pendant. Wire weaving in particular is a very repetitive technique and it usually takes a few hours to complete a project, so it’s nice to be comfortable and entertained while I do it, otherwise it might start feeling like work.
To help me get started on a wire weaving project, in particular to help me choose the weaves I want to do, I decided to make a sampler. I folded a wire in half, with a loop on the folded side, so I can hang all the samples on a safety pin, so I don’t lose any.
Another tip I’d like to share is how I hold all the wires together when I start a weave. My favourite tool is a wooden ring clamp. It secures all the wires in place without marking them and I don’t hurt my hands trying to hold everything in place with just the strength of my fingers. The ring clamp is used a lot in silversmith work, to hold rings or small bits of sheet metal while filing and it can be very helpful for wire work as well.
Other alternatives for holding the wires in place are painter’s tape, spring clamps and even forceps. The important thing is to find ways to prevent too much stress on your hands and wrists.
Esta foi a peça onde comecei definitivamente a juntar as técnicas de joalharia ao design com os elementos e temas com que mais me identifico. Todas as peças são criadas a partir de escolhas pessoais – se gostamos mais de formas com bicos ou só curvas, grande ou pequeno, etc – mas aqui começou a solidificar-se aquilo que considero o meu estilo de jóias: uma mistura entre chapa e fio, com a pedra lindàssima como elemento central, oxidação da prata e muito detalhe e textura. O tema da chave ornamentada vem da inspiração steampunk, que me atrai há muito.
Como o exercício principal desta peça era criar uma cravação em coroa, comecei por escolher a pedra. Usei um topázio amarelo triangular que comprei na FIA há uns dois anos. A pedra foi cara mas gostei tanto do formato, cor e lapidação que não resisti a comprar. Uma pedra destas merecia uma peça especial, por isso desenhei diversas chaves até chegar a um projecto que me agradava. A “cabeça” da chave é também triangular, seguindo a forma da pedra.
Comecei pela cravação da pedra, que iria determinar as dimensões do resto da peça. Apesar de ter feito o projecto à escala real, é sempre bom ter o elemento central primeiro para ter a certeza que não fica demasiado apertado no final. Sem a cravação é mais fácil fazer pequenos erros de escala se não tivermos experiência ou cuidado suficientes.
Para a coroa usei chapa de 0,5 mm com a altura do pavilhão (parte de baixo da pedra, afunilada). Formei um triângulo com cantos arredondados, seguindo a forma e tamanho da pedra. Numa cravação de garras, esta base tem de ficar um pouco mais pequena do que a pedra porque as garras são soldadas por fora. No caso da cravação em coroa, o tamanho é um pouco maior. A pedra não pode caber completamente dentro da cravação mas quase.
Fazem-se cortes espaçados à volta da chapa, primeiro com a serra e depois com a lima triangular. Esses cortes são depois alargados e arredondados com uma fresa ou lima de meia cana, formando assim as garras e a forma de coroa. No enfiamento vertical das garras são também cortadas pequenas fendas em baixo que são igualmente arredondadas para dar a ideia de pequenos Us entre cada duas garras. Vai-se limando a chapa até a forma estar aperfeiçoada. Por fim limam-se linhas verticais no centro de cada garra para parecer que estas são mais finas e o resultado ser mais delicado.
Devo dizer que, pelo menos na primeira vez, este foi um processo demorado, de grande cuidado e paciência. Nos cantos, em particular o que tem a soldadura, é preciso muito cuidado para não limar demasiado porque o ângulo é maior e a lima tem tendência a gastar mais metal de uma só vez.
Assim que a forma está regular e redondinha, faz-se uma forma igual em fio quadrado de 1 mm que é soldado por baixo da chapa, servindo de base à coroa. É a este fio quadrado que vamos depois soldar os restantes elementos.
Com a cravação feita foi a vez de começar a construir a chave. A estrutura geral foi feita em fio quadrado de 2 mm. Por dentro da linha curva do topo soldei um fio torcido. O torcido é feito a partir de dois fios de 0,8mm (ou um fio dobrado ao meio). Uma ponta é presa no torno e a outra no porta-cavilhas. Vamos rodando o porta-cavilhas, torcendo os fios e dando calor com o maçarico nas zonas que vemos que não estão a enrolar tão bem como o resto.
O pé da chave foi feito com o mesmo fio quadrado de 2 mm e fio torcido. A junção do pé com a cabeça foi coberta com uma caixa composta por duas chapas de 0,5 mm em U curvas (uma em cima e outra em baixo) e duas paredes laterais, ou batas, com 0,8 mm de espessura. Primeiro soldam-se as laterais à chapa de base e só depois se coloca esta estrutura no sítio para soldar a “tampa”. Para conseguir que as laterais, ou batas, fiquem verticais sobre a base, faz-se uma só bata em U e depois de soldar ambos os lados desse U corta-se o excesso.
Esta parte foi a mais complicada porque a solda inicial, que fica por dentro, não se consegue isolar e volta a correr quando se aquece novamente, o que na primeira tentativa entortou a chave e foi preciso repetir o processo com maior apoio nessa zona. O ideal será soldar com a peça assente em gesso para ter a certeza que não mexe.
Por cima dessa caixa coloquei mais um fio redondo e outro rectangular, com fim decorativo.
Na zona de baixo da chave, em vez de dentes criei uma peça decorativa com caracóis e S em fio redondo de 1 mm. Soldei também três pequenas secções de fio rectangular com 1,5 mm de lado e 0,45 mm de espessura sobre o pé, para dar mais detalhe a essa zona.
Com a estrutura montada foi a vez de fazer os caracóis em S que iriam ligar a cravação à estrutura. Foi um bocado como fazer filigrana só que com um fio mais grosso. Usei o mesmo fio de 1 mm para ter a certeza que a peça tinha estabilidade. Fiz também pequenas bolinhas de prata para preencher os cantos e dar um pouco mais de variedade (tudo isso já previsto no projecto inicial).
Tendo o cuidado de isolar muito bem todos os caracolinhos com corrector, para não derreterem, soldei a cravação e por fim criei um L duplo em fio de 1 mm para servir de bilheira (peça de suporte por onde passa a corrente).
Para terminar a cravação é preciso fazer pequenos cortes no interior das garras para sustentar a pedra. Estes cortes têm de estar todos à mesma altura e não podem ser demasiado fundos para evitar que as garras se partam ao dobrar sobre a pedra. É um processo que requer paciência e rigor.
A peça foi oxidada e depois polida. O óxido fica nas reentrâncias, dando mais profundidade e realce ao relevo. O ultimo passo é a cravação da pedra e polimento da cabeça das garras, assim como eliminar algum risco accidental que tenha ocorrido durante a cravação.
Para cravar a pedra empurram-se as garras com cuidado, uma a uma, até assentarem na pedra. Se alguma ficar muito no ar pode-se passar a serra entre o metal e a pedra para gastar mais um bocadinho. Isto só se deve fazer se a pedra tiver dureza suficiente. Se fosse uma turquesa, por exemplo, não se poderia fazer isso porque a serra riscaria a pedra. Para verificar se a serra é segura com determinada pedra, consulte a minha tabela de durezas na escala de Mohs. As lâminas da serra são geralmente feitas de aço temperado, pelo que andam à volta de um 7 na escala de Mohs. Isso quer dizer que já é arriscado usar a serra com uma ágata e completamente desaconselhado para pedras mais moles.
Fiquei muito satisfeita com esta peça e inspirada para fazer variações sobre o tema.
Key Pendant – crown setting
This was the piece where I finally began joining silversmith techniques with the elements and themes I most identify with. All jewellery pieces are designed from a personal perspective – whether we prefer pointy or round shapes, large or small, etc – but here I began to solidify what i feel is my style of jewellery: a combination between sheet metal and wire, with a gorgeous stone as the focal point, oxidized silver and lots of details and texture. The idea of the key comes from my appreciation of steampunk imagery.
As the main goal of the piece was to create a crown setting, I started by sellecting the gemstone. I used a lovely yellow topaz I had bought at an International crafts fair a couple of ears earlier. The gemstone was expensive but I liked the shape, color and cut so much I couldn’t resist buying it. Such a gemstone deserved a special setting, so I drew several keys before getting to a project I liked. I was particularly inspired by the amazing work of artists like Iza Malczyk. The head of the key follows the triangular shape of the stone.
The crown setting would determine the size of the other elements, so I started there to make sure the fit wouldn’t be too tight in the end. Even when the project is at a scale of 1:1 it’s good to have a physical element to help get the rest of the measurements right, especially because a drawing won’t give you the exact notion of metal thickness, for example. It’s tempting to start from the outside in but you risk making sizing mistakes if you’re not experienced or careful enough, so I took the safest route.
For the setting I used silver sheet with a thickness of 0,5 mm (24 AWG) and the height of the stone pavilion (the lower, tapered part of the stone). I formed a triangle with rounded corners, following the shape and size of the stone. When doing a prong setting you have to make sure the bezel is a little smaller than the stone because the prongs are soldered on the outside and should run straight up the side of the stone. In a crown setting like this one, you have to make the bezel a little larger. The stone shouldn’t fall down the middle but almost.
I decided how many prongs I wanted and made cuts between each one with a jeweller’s saw. Then I enlarged the cuts with a triangular file. These cuts are further enlarged and shaped with the help of round and half round files until you have a crown shape. At the bottom of the bezel, aligned with the middle of each prong, I made cuts that were also rounded and refined until the bezel looked like it was formed by several U shapes side by side. You just keep filing the metal until you get the shape right. It’s a long and careful process. Finally I filed vertical grooves from top to bottom, at the center if each prong. This is merely a decorative step to make it look like the prongs are thinner and more delicate than they actually are.
All this was a long and careful process that took great care and patience. At the corners I had to be especially careful not to file too much because the tighter angle makes it easier to remove more metal in one go.
As soon as the shape was all nicely regular and rounded I made a similar triangular shape out of 1 mm square wire for the base of the crown setting. It’s this square wire shape that is going to be soldered to the remaining design elements.
With the stone setting completed I was able to turn my attention to the rest of the design and start building the key. The overall structure was made from 2 mm square wire. Inside the top frame I soldered a twisted wire. It was made by twisting two 0,8 mm (20 AWG) wires together (or one wire folded in half). One end of the wires is attached to a pin vice and the other to a bench vice. You turn the pin vice and apply heat with the torch as you go to keep the twisting even and prevent the wires from breaking because they harden as you twist.
The long part of the key was made with the same 2 mm (12 AWG) square wire and twisted wire. I covered the area where this part meets the head of the key with a small box-like component made from silver sheet. I cut two U shape pieces out of 0,5 mm (24 AWG) sheet and curved them. I made the side walls out of another U shape (out of square wire). This helps to keep both walls in place while soldering. If I tried doing one at a time it would be a lot harder to solder them vertically. When the walls are in place, I covered the key skeleton and soldered the “lid” in place.
This part was the hardest because, as you heat up the “box”, the inner solder also heats up and wants to run. On my first try the key got all twisted and I had to try again with better support for all the different parts. I should probably have stabilized it in plaster to prevent such an issue.
The box componente was a bit bare so I decorated it with some bands of round and rectangular wire.
At the bottom of the key, instead of the traditional teeth, I made some wire swirls out of 1 mm round wire. Na zona de baixo da chave, em vez de dentes criei uma peça decorativa com caracóis e S em fio redondo de 1 mm. I also soldered three small sections of 1,5 mm x 0,45 mm rectangular wire around the long stem to add detail to the area.
The main structure was done so it was time to make the swirls that would connect the stone setting to the rest. It was almos like making filigree only with thicker wire. I ised the same 1 mm wire for stability. I also made some small silver balls to fill the negative space in the corners and add more detail.
To prevent the wire swirls from melting as I soldered each one, I covered them with correction fluid (it gets the metal dirty so it doesn’t melt as easily and previous solder doesn’t run). Swirl by swirl I soldered the setting to the base. Finally I created a double lower-case handwritten L shape out of 1 mm round wire to work as a bail.
To set the stone I had to make small cuts on the inside of the prongs, to keep the stone in place. These cuts need to be all at the exact same height and can’t be too deep to prevent the prongs from breaking when they bend over the stone. It’s a process that requires patience and precision.
The key was oxidized with liver of sulfur and then polished. The patina remains in the crevices and adds depth to the textures. The last steps are setting the stone and polishing the prongs to remove any accidental scratches made during the setting process.
The stone is set by carefully pushing each prong until they meet the stone, while making sure it remains level. If any of the prongs refuses to bend completely, you can take the jeweller’s saw and run it between the prong and the stone to remove a bit more metal and make it easier to bend. This should only be done if the stone is harder than the metal of the saw. It’s fine for quartz, topaz and other harder stones but you should be careful with anything softer – it’s risky for agates and mus’t be done at all with a turquoise or pearl. To check if the saw is safe around the stone you’re using, check out my mohs scale chart. Saw blades are usually made from hardened steel, so they fall around 7 on the Mohs hardness scale.
I was very happy with this piece and inspired to make variations on the theme.
Esta peça de joalharia tinha dois objectivos de aprendizagem: A cravação de 8 garras e o espigão com aro de escape.
Como sempre, comecei por escolher as pedras. Tinha comprado um par de topázios amarelos iguais na última feira de minerais e a sua forma quadrada era perfeita para a cravação de 8 garras.
Depois de vários esboços, cheguei ao desenho da peça que queria fazer.
Fiz a base da cravação com um fio redondo, segundo o método usual: o fio contorna a pedra de forma a ficar perto do topo mas sem se ver de cima.
Depois de soldar esse aro da base, montei as 8 garras à sua volta, sobre plasticina.
Coloquei mais um rolo de plasticina à volta da zona onde as garras tocam no aro da base (zona onde iria depois soldar). Por cima de tudo isso deitei gesso. Aliás, esta peça levou várias doses de gesso para prender e estabilizar os diversos elementos, permitindo soldá-los sem se mexerem. É um método muito usado quando o rigor é importante.
Quando o gesso estava seco, tirei o rolo de plasticina e fiquei com espaço para soldar as garras à base.
Com os fios soldados, cortei fora o excesso e soldei um aro mais pequeno para proteger o bico da pedra. A cravação estava terminada.
Cortei as várias chapas que formavam o desenho do brinco e dei-lhes volume no embutidor. Se repararem, cada chapa tem um número riscado com agulha para não me esquecer da ordem de montagem.
Montei os brincos novamente sobre a plasticina e cobri com gesso.
Soldei as três chapas de cada brinco só na ponta para poder criar nàveis diferentes. Uma das preocupações a ter quando se faz uma peça de joalharia é criar volume. Uma peça com vários nàveis é sempre mais interessante do que uma completamente plana.
Com as pontas soldadas, cortei várias secções de fio quadrado para servirem de pilar de sustentação para cada um dos nàveis. Isso dá mais estabilidade à peça.
Chegada a altura de introduzir a cravação, foi necessário fazer um furo na chapa por onde iria passar a serra.
Marquei o quadrado aproximado equivalente ao tamanho da cravação e serrei. É importante serrar sempre uma forma ligeiramente mais pequena do que o pretendido e depois limar até atingir o tamanho certo. Se ao serrar se tira demasiado metal e o encaixe fica muito largo, é muito mais difàcil de corrigir.
Limar o quadrado até a cravação encaixar perfeitamente justa foi o trabalho mais demorado porque é preciso estar constantemente a parar e experimentar se já está bom.
Voltei a cobrir com gesso para soldar a cravação à s chapas do brinco.
Ao soldar é importante colocar corrector nas soldaduras anteriores, para evitar que o trabalho anterior se estrague. Também é muito importante apontar o calor apenas para a chapa porque os fios da cravação aquecem mais depressa e podem derreter se levarem com o fogo directo.
Havia um ponto ou outro em que as garras não tocavam na chapa por isso foi necessário acrescentar uma pequena ponte de prata que depois foi limada. Como a curva da chapa não permitia o acesso da lima naquela zona, usei uma ponta diamantada para gastar o excesso.
Com as cravações soldadas, chegou a hora de fazer as batas. A bata é uma parede que dá altura à peça. Neste caso a bata foi apenas parcial, levantando apenas a zona do bico.
Depois de limar as chapas da bata de forma a que encaixassem perfeitamente na parte de trás do brinco, cobri novamente com gesso, deixando o bico de fora para soldar. Com o bico “apontado” com solda, tirei o gesso e soldei o resto. Tive o cuidado de colocar corrector na primeira soldadura para que a bata não deslizasse para fora do sítio quando o resto da solda começasse a correr.
Com a bata soldada, chegou a hora de fazer os aros de escape dos brincos. Para isso comecei por soldar um espigão vertical na parte de trás de cada brinco, paralelo à s garras. Depois fiz um fio quadrado de 18mm, dobrei em L e espalmei as pontas com um martelo (uma na horizontal e outra na vertical).
Na foto acima vemos o aro do brinco e um gonzo, semelhante ao que se usa nas pregadeiras, para fazer dobradiça. É necessário furar ambas as pontas espalmadas do aro: um furo na base para encaixar no gonzo e outro na ponta mais longa para criar a abertura onde entra o espigão.
A base do aro do brinco tem de ser arredondada para rodar dentro do gonzo. Com o aro temporariamente no sitio, é mais fácil perceber onde deve ser feito o furo para acomodar o espigão (visto aqui na vertical).
A ponta do espigão também tem de ser martelada para espalmar e corta-se um pequeno triângulo para encaixar no aro quando fecha. As medidas têm de ser rigorosas para fazer o click e não se abrir acidentalmente.
O problema maior deste tipo de espigão é que o recorte pode magoar ao passar no furo da orelha.
Antes de colocar a cavilha no aro, faz-se a cravação das pedras e o polimento.
Por fim coloca-se o rebite do aro, apertando com um alicate, e a peça está concluàda.
Leverback earrings with 8 prong setting
The project for these earrings included two learning exercises: the 8 prong stone setting and the leverback closure.
As always, I started by picking out the gemstones. I had bought a couple of identical topaz stones at the last mineral fair, and its square shape was perfect for the 8 prong setting.
After several sketches, I came up with the overall design.
I started by making the support for the stone from 0,9 mm round wire (19AWG) in the usual method: the wire should go around the stone, close to the edge but small enough that you won’t see it when you look from above.
After soldering the base wire closed, I placed it over plasticine and secured the prongs around it, evenly. Plasticine helps to keep everything in place while you work. I use the oil based plasticine that doesn’t dry (unlike play-doh).
I placed a roll of plasticine around all the prongs, where they touch the base wire. That was the area I wanted to solder, so I needed it to remain clear. I poured plaster on top of the setting and allowed it to dry. The plaster keeps everything in place as you solder, so the prongs won’t move. It’s a great help for precise construction. This piece required plaster several times to stabilize all the different elements and allow me to solder them without stress.
Once the plaster was dry, I removed the plasticine and was left with enough room to solder three prongs.
When the prongs were secured, I cut off the excess wire and soldered a smaller wire ring at the bottom of the setting, to protect the lower tip of the stone. This completed the setting.
I cut several triangular shapes out of o,5 mm sheet metal to shape the body of the earrings. I used a doming set to give a subtle curve to the metal. If you look closely you’ll see each element has a number scratched on the surface so I wouldn’t mess up the order in which they were to be assembled later on. I use a sewing needle attached to a pin vice to make these marks. It works like a pencil.
Once again I assembled the 3 plates that make up each earring over the plasticine and covered them with plaster.
I soldered the tip of the three plates. The rest was loose so I could make different levels. One of the main concerns when making jewellery is that the piece must have volume. A flat piece is boring so we always try to create different levels.
After soldering the tips I cut several bits of square wire to make pillars that would support the opposite end of the plates, to stabilize the height.
To insert the stone setting I had to cut off a square section. I made a small hole with the drill and inserted my jeweller’s saw to cut the rest.
I always cut a bit smaller than what I’m going to need and file away the rest. Since the fit needs to be tight, if you cut the hole too wide there will be no contact between the setting and the cheet metal around it, making it impossible to solder.
Filing this square until the setting fit perfectly was extremely time consuming but it’s important to have a good fit so I had to keep checking the fit to make sure I wasn’t taking off too much metal.
I covered everything in plaster once again to solder the settings to the earrings.
When soldering a new part it’s important to cover previously soldered joints with liquid paper white out. It gets the metal dirty so it protects it from melting and keeps the solder from flowing again. It’s also important to aim the heat at the largest part you’re soldering, in this case the sheet metal. The wire in the setting heats up faster and may melt if you point the flame directly at it.
There was the occasional spot where the prong didn’t touch the metal (even after being so careful) so I had to add a “bridge” made from a bit of wire that was later filed away until it looked like it was part of the prong. Due to the curve in the metal I couldn’t use a regular file in that spot, so I used a diamond burr with my flex-shaft.
After the settings were soldered in place it was time to make the walls. This is another process that gives dimension to a piece. In this case it was only a partial wall that tapered from the tip towards the wider part of the earring.
I shaped and filed a strip of rectangular wire to fit perfectly against the shape of the earring and covered it with plaster but left the tip uncovered so I could solder. Once that first solder held everything in place I could remove the plaster and add more solder to the rest of the walls. I was careful to cover the soldered tip in liquid paper white out to prevent the solder fro running in that area, which would have made the walls move or collapse.
Once the main part of the earrings was done, it was time to focus on the post and leverback construction. I soldered the post to the back of the setting, parallel to the prongs. I then made an 18mm square wire, using the rolling mill. I folded it in an L shape and hammered the end flat – one side vertically and the other horizontally.
On the picture above you can see both elements that will make the hinge for the leverback. I had to make a hole at both flat ends of the L shape. On one side will be the hinge and on the other there’s and opening for the post.
The hinge base has to be rounded so it will rotate. By placing the latch in place it’s easier to mark the spot for the holes.
The tip of the post also needs to be hammered flat and a small triangular notch need to be cut. This will allow the post to lock in place when closing. Measurements need to be precise so it will click closed, preventing it from opening accidentally.
The main problem I have with this kind of post is that the notch in the post can hurt your ear when you put it on.
Before securing the leverback I set the stone and polished the earrings. Check out my older tutorials for further details on the setting and polishing stages.
Finally I inserted a piece of wire in the hinge and squeezed it with pliers to form a rivet. The earrings were done.
Quando comecei a interessar-me por fazer bijutaria, aquilo que mais me atraia era o trabalho exclusivamente em arame, que permite fazer peças lindas e extraordinariamente complexas sem serem necessários muitos materiais ou ferramentas. Umas contas, uns rolos de arame e dois ou três alicates são suficientes.
Fiz na altura muitos pendentes, anéis e brincos com algumas destas técnicas, incluindo tricot e crochet em fio metálico fino. Havia tantas técnicas para experimentar que cada peça era única e diferente da anterior.
Recentemente tenho vindo a desenvolver as técnicas de joalharia, mas esse gosto pelo trabalho em fio metálico manteve-se e hoje em dia estou à procura de formas de conjugar ambas as técnicas em peças hibridas. A pulseira que estou a fazer agora será um exemplo disso mesmo.
No entanto, quando preciso de estar a fazer qualquer coisa com as mãos mas não me apetece ter de estar amarrada à bancada (nomeadamente à noite ou nas horas que passo em salas de espera), tenho feito novas peças só em arame. A técnica que mais me atrai hoje em dia é wire weaving, que é basicamente cestaria com metal só que para fazer pendentes e brincos em vez de cestos Acaba por ser semelhante a fazer crochet só que sem precisar de agulha. Dá imenso trabalho e requer uma paciência fenomenal mas acho que o resultado compensa o esforço.
Comecei por tentar seguir alguns tutorials, principalmente para ver como outros artistas resolvem alguns dos problemas técnicos tàpicos destas peças – onde prender um determinado fio, que técnicas usam para prender pedras sem furo, etc. Aprendi muita coisa mas nunca consigo seguir um tutorial do princàpio ao fim. Não é só por não querer copiar, porque copiar é a melhor forma de aprender. É mais porque as minhas preferências se começam a sobrepor e começo a improvisar ou porque o tutorial requer materiais que não tenho e é preciso adaptar e arranjar outra forma de chegar ao resultado que se quer. Essa é a parte melhor. É por isso que duas peças nunca saem iguais, mesmo quando são feitas pela mesma pessoa.
– When I first started making jewellery, my favorite technique was wire wrapping because it requires so few tools for such stunning results.
Recently I’ve been refining my jewellery knowledge but I still love wire work so I’m now working on combining soldering with wire wrapping and weaving, to make hybrid pieces.
On those quiet nights when I have nothing better to do but I’m too tired to sit at my jewelleer’s table, I’ve gone back to working with wire, and especially doing wire wrapped pendants and earrings. It’s a lot of qork and requires a great deal of patience but I feel it pays off in the end.
At first I followed some tutorials to see how other artists solve some of the more typical issues, such as where to tie off certain wires ou how to securely attach an undrilled stone. I learned a lot but I can never follow a tutorial faithfully. My personal preferences get in the way and it starts to bother me how a pendant doesn’t have a bail, for instance, or just because I don’t have the same kind of bead or stone, so I’ll improvise. It’s the great thing about handmade stuff. Unless you make a true effort in that sense, no two pieces turn out alike.
Há algum tempo, quando estava a fundir prata, deixei acidentalmente cair parte do metal incandescente em cima de uma chapa de alumànio. Como é óbvio, a prata fundiu-se imediatamente com o alumànio, estragando completamente a prata.
Em circunstâncias normais a maioria das pessoas teria dito “Oh! Que chatice!” e deitado fora o metal estragado, mas eu tenho dificuldade em aceitar situações em que faço asneira e não desisto se houver alguma esperança de resolver o problema.
Com persistência, a internet salva-nos muitas vezes o dia, graças à quantidade de informação que tantas pessoas simpáticas se dão ao trabalho de disponibilizar. É uma das razões pelas quais escrevo tutorials – porque o facto de outros o terem feito antes já me ajudou tantas vezes, que se puder ajudar alguém de volta, sinto que é meu dever fazê-lo.
Descobri então que era possível resolver o meu problema dissolvendo a prata em ácido nàtrico porque este dissolve a prata mas não o alumànio. Perfeito! Conseguia assim voltar a separar os dois metais.
Encontrar ácido nàtrico foi o passo seguinte. Consegui descobri-lo à venda numa drogaria mas só tinham garrafões de dois litros. Considerando que isto era algo para fazer uma só vez e que o ácido é vendido num nàvel de pureza bastante grande, não quis arriscar ter uma substância tão perigosa em casa, especialmente nessas quantidades.
Ao explicar o meu problema no atelier, um dos meus colegas, que é professor de quàmica, ofereceu-se para me arranjar uma pequena quantidade do ácido, já bastante diluàdo, só para poder fazer a experiência.
Li tudo o que encontrei sobre as precauções a ter e devo agora dizer que não aconselho nem encorajo ninguém a fazer esta experiência em casa. A dissolução da prata em ácido nàtrico causa gazes tóxicos que não devem ser respirados e o ácido é corrosivo para a pele, roupa, etc, e não deve de forma alguma entrar em contacto com os olhos ou vias respiratórias. Se alguém quiser mesmo assim fazer a experiência, por favor tenham o cuidado de o fazer ao ar livre e com a vestimenta protectora adequada – avental para ácido, luvas para ácido, máscara e óculos de protecção. Se algo correr mal, não me culpem a mim. Foram avisados dos riscos.
Primeiro vesti o material de protecção: macacão por cima da roupa, luvas para ácido, máscara com filtro para gazes e óculos de protecção. Senti-me um bocado como o Mr. White
Fui para o terraço e levei um frasco com o ácido (numa concentração baixinha – o ácido muito puro, por estranho que pareça, é menos eficaz) e outro frasco maior com água quente. O processo de dissolução da prata funciona melhor se o ácido for aquecido. Como não tinha forma de o aquecer directamente, usei o método do banho maria: aqueci água numa chaleira, deitei-a num frasco largo e coloquei o frasco do ácido, mais fino, lá dentro. O calor da água que rodeia o frasco de dentro acaba por aquecer o ácido o suficiente para acelerar o processo.
Não tenho fotos desta primeira fase porque manter as luvas e tentar não respirar os gazes tóxicos preocupava-me mais do que tirar fotos. Se estão curiosos sobre o que acontece, podem ver este vàdeo.
Quando a prata estava toda dissolvida, diluà ainda mais o ácido com água destilada e filtrei a solução utilizando um filtro de café. Os restos de alumànio ficaram no filtro e sobrou um frasco com nitrato de prata. Como a prata não era pura, mas sim uma liga com cobre, o làquido final ficou azul em vez de transparente, mas para o que eu queria, isso era irrelevante.
A fase seguinte era recuperar a prata suspensa na solução, Para tal bastou introduzir um tubo de cobre no frasco com o nitrato de prata. A prata foi substituàda por cobre na solução e foi caindo para o fundo, em estado sólido. Este é um processo que pode demorar algumas horas.
O pó cinzento no fundo do frasco é a prata que se foi precipitando com a introdução do cobre na solução.Quando já não via mais prata a cair ao fundo, filtrei novamente a solução e fiquei com uma lama cinzenta no filtro. Esta “lama” era a minha prata.
Ainda voltei a introduzir o tubo de cobre na solução e deixei ficar de um dia para o outro, para ter a certeza que tinha recuperado toda a prata possível.
Entretanto deixei secar a prata recuperada que se transformou num fino pó.Passei esse pó para o carvão para fundir a prata.Com o maçarico aqueci o pó até a prata fundir completamente. quando estava em estado làquido, deitei-a para o molde, chamado rilheiraUm pequeno lingote de prata pura recuperadaRepeti o processo de recuperação da prata as vezes necessárias até ter toda a prata que consegui extrair do ácido. No final tinha cerca de 25 gramas de prata pura, pronta a fundir com cobre para fazer a liga.
No final anulei o ácido com bicarbonato de sódio. É mais um passo que requer muito cuidado porque a reacção quàmica resultante causa vapores que não convém respirar e forma uma espuma que aumenta brutalmente o volume do làquido. O ácido deve ser deitado em quantidades ànfimas de cada vez sobre o bicarbonato de sódio, num recipiente bastante grande para evitar que venha tudo por fora.
Quando o ácido está inerte (quando deixa de borbulhar) já se pode deitar fora sem medo de danificar a canalização.
Mais uma vez, não aconselho a ninguém esta experiência mas achei que podia pelo menos partilhar a informação que adquiri para o caso de alguém vir a precisar. Se forem trabalhar com ácidos ou outros materiais perigosos, por favor tenham os cuidados necessários. Um salpico de ácido pode até parecer inofensivo e uns dias depois está um buraco enorme na camisola ou uma mancha preta na mesa. Mesmo diluàdo, o efeito é poderoso. Pode é demorar mais tempo.
Silver purification with nitric acid
Some time ago, while casting silver, I accidentally dripped some of the molten metal onto a sheet of aluminium. As expected, the silver fused with the aluminium and was useless.
In normal circumstances most people would go “oh well, bad luck!” and toss out the metal, but I have a hard time accepting situations where I mess up and I won’t quit if there’s the slightest chance of fixing the problem.
With persistence, often the internet will save the day, thanks to the wide range of information so many kind people bother to share. It’s one of the reasons I write tutorials – because so many others have helped me, if I can help back even one person, I feel it’s my duty to do so.
I soon found out my problem could be solved by dissolving the silver in nitric acid because this acid will eat away the silver but not the aluminium. Perfect! By using this process I was able to separate these two metals once again.
Finding the nitric acid was the next step. I found it on sale at a local drugstore but they only sold the stuff in two litre bottles. Since this was meant to be a one time thing and that the acid is sold with little dilution, I didn’t want to risk having such a dangerous substance at home, especially in such quantity.
I explained my problem to some people at the jewellery studio where we have our classes and one of my colleagues, who is a chemistry teacher, offered to get me a small quantity of the acid, so I could experiment.
I read everything I could find on the precautions to take while working with acid and I must say that I don’t encourage anyone to do this at home.Dissolving silver in nitric acid emits toxic gases that should not be inhaled and the acid will burn your skin, clothes, etc, and it should not, under any circumstance, get in contact with your eyes or respiratory tract. If anyone still wants to try this out, please be careful, do it outdoors and with the proper protective gear – acid-proof rubber apron, acid-proof gloves, gas mask and protection goggles.. If something goes wrong, don’t blame me. You have been warned.
I put on my protective gear: overalls, acid-proof gloves, gas mask and googles. I felt a little like Mr. White
I took my acid jar outside along with a larger jar filled with hot water. The acid must be diluted. If it’s too pure it will cause the silver to oxidise and it won’t work as well, oddly enough. The process works faster if the acid is warm. As I didn’t have a way to heat the acid directly, I placed the acid jar inside the larger jar filled with hot water (only fill the water jar about two thirds up or it will overflow). The hot water will warm up the acid and that’s enough to speed up the chemical reaction.
I don’t have pictures of this initial stage because I was too concerned with keeping my gloves on and not breathing in the toxic fumes to take any pictures. If you’re curious about what happens, you can watch this video.
Once the silver was dissolved, I diluted the acid further and used a coffee filter to remove impurities from the solution. The aluminium bits were left behind in the filter and I was left with a bottle filled with silver nitrate. Since it wasn’t pure silver but silver mixed with copper, the copper turned the liquid blue. This was fine for what I needed.
The next stage consisted in recovering the silver suspended in the solution. All it took was inserting a copper tube into the jar. The copper replaced the silver in the solution and the silver flaked off to the bottom of the jar in solid form. This process can take a few hours but it’s fun to watch.
The grey dust at the bottom of the jar is the silver precipitate that occurred when I placed the copper tube into the solution.When I couldn’t see any more silver falling to the bottom, I filtered the solution again and was left with grey mud in the filter. This mud was my silver.
I placed the copper tube into the solution once again and left it overnight to be sure I had recovered all the silver.
In the meantime I allowed the silver mud to dry and it turned into a fine grey dust.I placed my grey silver dust on a coal block to melt it.I heated the dust with the torch until it melted completely. Once it was liquid I poured it into the ingot mould.A small ingot made from recovered fine silver.I repeated the process as many times as necessary to recover all the silver I managed to filter out of the acid. By the end I had 25 grams of fine silver, ready to bind with copper once again to produce sterling silver.
Once the whole process was done I neutralised the acid with baking soda. It’s another step that requires great care because it triggers another chemical reaction that releases unhealthy fumes and causes foam that can overflow. The acid should be poured into a large container, little by little, over the baking soda, and not the other way around.
When the acid stops bubbling it means that it’s been neutralised and you can throw it away safely.
Once again, I stress the fact that I don’t advise anyone to try this at home, but I thought I should share the information anyway in case someone is in desperate need of it. If you work with acid or any dangerous chemicals, please be careful. A little splash of even very diluted acid may seem harmless at first and a few days later there’s a huge hole in your sweater or a large black spot on your kitchen table. The diluted version is still powerful, it just takes longer.
Diverti-me tanto a fazer a última colecção de brincos de cobre texturado que não consegui parar.
Para não ser só mais do mesmo, desta vez misturei cobre e latão, sempre com os anzóis em prata, para evitar problemas de alergia aos metais que algumas pessoas têm.
Para além da variedade de tons conseguida com os três metais e o uso de patina, as pedras dão também um toque extra de cor que me agrada imenso.
Quanto ao metal, joguei muito com o contraste entre o polido, o texturado e o oxidado, para dar variedade à s peças.
Abaixo ficam algumas fotos desta colecção. Para mais informação visite a loja.
Three tone metal earrings
I had a lot of fun making my last collection of copper earrings, so I took it a step further and added brass to the mix. The ear wires are silver to avoid allergies.
Aside from the different tones afforded by the various metals and patinas, I also used gemstones to add an extra splash of colour.
As for the metal, I played around with a game of textures, patina and polishing to add variety to the pieces.
I leave you with some images of this collection. For more information, please visit the shop.
De vez em quando sinto falta de brincar com tintas e fazer layouts. Normalmente limito-me a fazer cartões e isso muitas vezes chega, mas recentemente senti-me tentada a experimentar outros materiais, nomeadamente os acràlicos, e gostei da ideia de misturar diversos materiais em colagens.
Como tenho andado numa onda steampunk, comprei finalmente uns cortadores de rodas dentadas para a Sizzix e uma série de stencils e atirei-me a uns projectos de mixed media.
Mixed media não é mais do que um projecto artàstico onde se utilizam ao mesmo tempo diversas técnicas e materiais – tintas, carimbos, colagem, desenho, inclusão de fotos, botões, caricas, peças metálicas diversas, etc. Basicamente, vale tudo. O aspecto final varia de acordo com o gosto pessoal de cada um. É um conceito altamente libertador para quem gosta de experimentar e divertir-se com a expressão artàstica mais do que estar preocupado com detalhes técnicos. E apesar de ser conveniente ter algumas noções artàsticas, nomeadamente a nàvel de cor e composição, é algo que está ao alcance de qualquer pessoa que se queira aventurar a sujar as mãos com tinta e cola. É uma coisa muito associada ao scrapbooking e que também é usado para fazer telas decorativas, com ou sem fotos.
Os acràlicos funcionam muito bem como tinta de eleição para este tipo de projecto porque agarram bem a diversos materiais, têm um bom poder de cobertura e secam depressa. O segredo está no uso de gesso acràlico como primário antes de aplicar a cor. O gesso acràlico é usado na preparação de telas e serve também para criar aderência nos restantes materiais, desde cartão e madeira a plástico e metal. Um pote de 500 ml custa cerca de 10 euros mas dura imenso tempo. Há marcas mais caras, mas para começar, a linha escolar “campus” da Raphael serve perfeitamente.
Quanto à s tintas acràlicas, a diferença entre as marcas mais baratas e as mais caras é a densidade do pigmento. Ou seja, um acràlico comprado na Tiger é altamente transparente, com muito pouco pigmento, enquanto que uma tinta profissional como a “Rembrandt” da Talens tem uma cobertura fantástica logo na primeira camada. A linha “Galeria” de Windsor & Newton é um pouco mais barata do que a Rembrandt e também é bastante boa. É uma questão de ver o orçamento e experimentar algumas marcas até se encontrar a que se gosta mais.
alguns materiais usados em mixed media
De qualquer forma, não é necessário começar com muitas cores. Os básicos são azul, amarelo e magenta, branco e preto, mas nem sempre estas são as cores ideais para começar porque varia de acordo com os gostos da pessoa e o que se quer fazer a nàvel de cor – para uns pode conter só tons pastel, pode ter mais verdes e castanhos para quem gosta de paisagens, etc. Para escurecer as cores deve-se usar um castanho (sienna ou umber) ou uma cor complementar em vez de preto que só faz as cores ficarem lamacentas.
A minha sugestão para uma palete básica é a seguinte:
– Amarelo cádmio médio
– Vermelho cádmio escuro ou médio
– Azul phthalo
– Branco (um frasco grande, porque sai mais económico e usa-se muito)
– Raw Sienna ou Burnt Umber (usado para escurecer as cores)
Quando se quiser expandir a palete pode-se adicionar mais cores como:
– Azul ultramarino ou cobalto (mais arroxeado)
– Magenta
– Amarelo ocre
– Amarelo Limão (mais frio)
– Verde phthalo
– Raw umber
– Cinzento Payne
– outras cores que que se usa muito como roxo, laranja, etc. É mais fácil do que estar sempre a fazer misturas.
– cores metálicas (dourado, prateado, cobre, bronze)
Os sprays são muito usados em mixed media. Inicialmente fiz sprays com gouache mas não gostei porque não mesmo depois de secos continuam a reagir à água, por isso resolvi usar os acràlicos para fazer spray. Comprei as garrafinhas vazias (nas lojas chinesas custam uns 60 cêntimos cada uma) e reutilizei sprays que tinha em casa – de perfume, gel para o cabelo, etc.
O problema é que, apesar do acràlico ser solúvel em água, não se deve misturar com demasiada água porque as moléculas de pigmento ficam demasiada afastadas entre si e a tinta não agarra ou cai passado algum tempo. Ou seja, nunca se deve misturar tinta acràlica com mais de 30% de água. Por isso, para fazer spray acràlico há duas opções: ou comprar tinta làquida para aerógrafo, que já vem dissolvida na proporção correcta mas sai um bocado cara se quisermos muitas cores, ou comprar um medium làquido (nas lojas chamam-lhe “médio” mas o termo correcto deveria ser “meio acràlico”, como em “meio aquático”, por exemplo) que nos permite fazer os sprays com as tintas que já temos. Não fica particularmente mais barato mas depende da quantidade que se quer fazer de cada cor.
Para os meus primeiros projectos, resolvi decorar umas capas de cadernos. Andava com vontade de fazer um art journal e a capa pareceu-me uma excelente forma de começar.
Comecei com um caderno tipo Moleskine, de capa dura. O primeiro passo foi cobrir a capa com gesso acràlico, mas não é obrigatório começar por aqui. Na verdade, em projectos futuros acho que vou colar os elementos todos primeiro e só depois é que aplico o gesso. Porém, se a capa tiver um desenho prévio pode ajudar ter uma camada branca em vez de montes de cores e desenhos que podem ser difàceis de ignorar quando estamos a fazer a composição.
Usei stencils e pasta de modelar (que pode ser vista na foto acima, ao lado do gesso) para criar alguma textura no fundo. Demora bastante tempo a secar mas tem mesmo de secar ao ar, completamente, antes da fase seguinte. Colei também bocados de gaze com cola branca.
Colei as minhas rodas dentadas, cortadas na Sizzix, e cobri tudo com mais uma camada de gesso. Quando trabalhamos só com papel ou cartão podemos usar cola branca. Quando se incluem peças metálicas, de plástico, resina, Fimo, etc, é que já convém escolher uma cola que funcione com estes materiais. Geralmente uma coisa tipo UHU làquida serve perfeitamente.
Pintei com acràlico e usei alguns carimbos no fundo. Escolhi uma cor escura para o fundo porque queria dar o toque final com dourado e funciona melhor se o fundo for escuro.
Apliquei spray turquesa por cima da cor de fundo, para criar alguma variação de cor mas sem ter um ar demasiado controlado. Usar uma esponja também funciona mas pode deixar riscos, se for mal aplicada.
Acrescentei algumas peças metálicas e de plástico, para dar mais um bocado de textura. Voltei a aplicar gesso nestes elementos e pintei.
Por fim passei tinta dourada só nas zonas em relevo para iluminar as texturas. Pode-se usar a ponta do dedo ou um pincel achatado, seco.
Este tornou-se o meu art journal. Não é o melhor caderno para o efeito porque as páginas são muito finas, mas tenho feito umas coisas giras com ele. Antes de arranjar uns godés improvisados (caixas de lentes de contacto) custava-me imenso deitar tinta fora quando sobrava. Como o acràlico seca depressa, ou se usa logo ou vai fora. Para evitar isso comecei a pintar páginas deste primeiro caderno com as cores que sobravam. Ficava assim com uma cor de base sobre a qual trabalhar. Considerando que sofro muitas vezes do pânico da página em branco, ter algo por onde começar é sempre bom
O objectivo de um art journal é obrigar-nos a fazer algo criativo todos os dias, nem que seja durante 10 minutos. Na faculdade tive um diário gráfico, que é semelhante mas mais virado para o desenho, especificamente. É uma forma dos alunos se habituarem a desenhar todos os dias e terem sempre consigo papel e um lápis ou caneta para fazer esboços rápidos sempre que encontram algo interessante.
O art journal é semelhante mas é mais sobre experimentar materiais e técnicas. Há quem o torne uma coisa parecida com um scrapbook, colando uma foto do dia e depois decorando o resto da página, há quem escreva poesia sobre um fundo colorido, quem goste de guardar citações, letras de músicas, frases inspiradoras, etc, como base do layout. Tudo é legàtimo e aceitável e o processo é inteiramente pessoal e livre.
Estas são as primeiras páginas que fiz no meu art journal:
Primeira página, com o nome da pessoa a quem pertence o diário. Há quem ponha também a morada e telefone, para o caso de perder o livro mas o meu não sai de casa, por isso não é preciso.
Esta página foi feita no dia em que o Pedro se foi embora. Há dias em que o tema é fácil.
Aqui diverti-me a fazer o fundo mas não acabei a composição. Não tem de estar tudo feito no próprio dia. A vantagem é mesmo essa – não há regras. É um espaço para experimentar e fazer o que quiser.
Esta foi uma tentativa de partilhar a experiência com os meus filhos. O Tiago adorou os stencils e os sprays e a Joana queria fazer tudo igual a mim Ela ainda participou mais uns dias mas o Tiago não ficou interessado.
Sei que nada disto ficou espectacular mas o objectivo não é esse. É apenas divertir-me e experimentar materiais e técnicas sem medo de “estragar”. Essa liberdade é algo que me custa muito, à s vezes. Tenho uma grande tendência para o controlo e o perfeccionismo, que é óptimo nalgumas coisas mas péssimo para expressão artàstica e criatividade.
Apesar de ter piada fazer páginas do diário, o que gostei mesmo foi fazer as capas. De tal maneira que agarrei em todos os cadernos que havia cá por casa e comecei a decorar capas em série.
Este é o meu caderninho da joalharia, onde esboço as peças que vou fazer e tomo notas dos detalhes de construção de cada uma das peças.
Este é o meu caderno de técnicas, onde tomo nota de todas as informações que possa precisar de rever mais tarde.
Por esta altura uma colega da joalharia que gostou do trabalho que eu estava a fazer encomendou-me uma capa para um caderno dela. Como o caderno tinha capa flexàvel, fiz todo o trabalho sobre um cartão que depois foi colado no caderno.
Também usei uma técnica ligeiramente diferente porque ela pediu para as cores serem mais claras. Escolhi uma palete de praia – azul, verde e tom de areia e pintei os elementos a colar separadamente para ficarem com uma cor contrastante do fundo.
Depois, como já não tinha mais cadernos, atirei-me aos do Pedro
Estava com os azuis e verdes na cabeça, por isso usei as mesmas cores neste pequeno caderno. Com os do Pedro mantive as coisas mais simples porque são cadernos de desenho e a capa com muito volume dificultaria o uso dos mesmos.
Este ficou com umas cores giras, parecidas com a primeira capa que fiz mas sem usar spray, só que acho que ficou com pouco contraste entre os elementos em relevo e o fundo. Ainda sou capaz de dar mais um toque.
Este é o meu favorito. Já tinha o tàtulo por isso limitei-me a construir o resto, com esse tema em mente. Usei um vermelho escuro de fundo o que torna os highlights em vermelho vivo muito mais nàtidos. à€ volta escureci com preto.
E pronto. Se quiserem saber mais sobre mixed media podem visitar os seguintes sites:
– Finnabair
– Such a Pretty Mess
Once in a while I miss playing around with ink and paint, and making layouts. I usually just make greeting cards and that’s usually enough, but recently I’ve been tempted to try other materials, especially acrylic paint, and I liked the idea of mixing several different materials in a collage.
Since I’ve been in a steampunk mood lately, I finally bought some gear dies for my Sizzix and a bunch of stencils, so it was time to try out some mixed media projects.
A mixed media project means that you can use several materials and techniques in layers to achieve interesting textures – stamp pads, paint, collage, drawing, photos, buttons, bottle caps, bits of metal, shells, and so on. Basically, anything goes. The final look varies according to your personal taste. It’s a very liberating concept for those who enjoy experimenting and having fun with artistic expression more than getting caught up with technical detail. And even though some artistic notions are useful, especially in terms of colour combination and layout, this kind of project can be done by just about anyone willing to jump in and get their hands dirty (with paint and glue). Mixed media projects are often associated with scrapbooking and are also used to make decorative canvases, with or without photographs.
Acrylics work well with this kind of project because they stick to all kinds of materials, especially if you use a primer, they dry quickly, can be layered and have good coverage capability. The trick is to use acrylic gesso before laying down the colour. Gesso is a primer created to coat canvas before painting but can be used over pretty much any material, from cardboard to plastic or metal. A 500ml jar costs around 10 euros but lasts a long time. There are some more expensive brands, but the “student” lines, like Raphael’s “campus” work just fine for beginners.
When it comes to acrylic paint, the difference between cheaper and more expensive brands and lines is pigment density. A cheap acrylic will probably be more transparent, with a lot less coverage than artist quality paints. Talens “Rembrant” line has great coverage on the first coat. Windsor&Newton’s “Galeria” line is not as expensive but also very good. I’ve been using Royal Talens “Amsterdam” line which has both student and artist quality paint and they’re both great and fairly inexpensive for the quality. It’s a matter of figuring out what you can afford within your budget and trying out a few brands until you find out which you like best. You should also be aware that light colours are usually more opaque because they are mixed with titanium white, which is pretty opaque.
some materials used in mixed media projects
Whatever brand you choose, there’s no need to start with a lot of colours. the basics are cyan, yellow, magenta, black white and black but you may not want to start with those. The colours you pick should reflect your preference and what feel you want for your project. A custom palette may include only pastel colours or have more greens and browns if you want landscape colours. To darken the colours you should use a brown (sienna or umber) or a complimentary colour instead of black, which makes the colours look muddy.
My suggestion for a basic palette is this:
– Medium cadmium yellow
– Dark or medium cadmium red
– Phthalo blue
– White (a large bottle)
– Raw Sienna or Burnt Umber (to darken colors)
Colours can be mixed to create new ones.
When you want to expand your palette, you can add other colours like:
– Ultramarine or cobalt blue
– Magenta
– Ochre yellow
– Lemon yellow (colder)
– Phthalo green
– Raw umber
– Payne grey
– other colours you use more often, so you don’t have to keep mixing them, such as purple, orange, ad so on.
– metallic colours (gold, silver, copper, bronze)
Spray versions are used often in mixed media. At first I mixed my sprays out of gouache and water but I didn’t like that solution because gouache will react to water if you get it wet again, so I chose to make acrylic sprays. I bought inexpensive mechanical spray bottles and reused some I had at home (from perfume, hair products, etc.)
The problem is that, even though acrylic paint is water soluble, it shouldn’t be mixed with too much water because the pigment molecules are driven too far apart and the paint won’t stick to the surface and can flake off after a while. You should never mix acrylic paint with more than 30% water. For this reason, I had two choices for making my sprays – either buy the liquid version or mix the acrylics with liquid medium. I liked this option because I was able to use the colours i already had. It’s not that much cheaper but it depends on the amount of colour you wish to mix.
For my first few projects I decided to decorate notebook covers. I felt like making an art journal and what better way to begin.
I started with a Moleskine type notebook, with a hard cover. My first step was to coat the cover with white gesso but you don’t have to start here. In fact, in future projects I may glue all my cardstock elements first and apply gesso later. However, is the cover has a busy design, it can help to create a neutral background to make the layout decisions easier.
I used stencils and modelling paste to create some texture on the background. Modelling paste takes a long time to air dry but it should be completely dry before starting the next stage. I also glued some gauze with white glue.
I cut some gears with my Sizzix and added them to the layout before covering with more gesso. When you work with cardstock or cardboard you can use white glue to assemble the layout. If you plan to include metal, plastic, resin or polymer clay elements you should use a glue that works with these materials or gel medium.
I painted the background colour with brown acrylic paint and added some stamps. I chose a dark colour for the background because I knew I wanted to paint the highlights in gold and it works best against a darker background for contrast.
I added some turquoise spray over the background colour, for some interest and contrast without controlling the placement of colour too much. You can also apply colour the paint with a sponge but it’s less random and it can leave streaks.
I glued some metal and plastic components for added texture and covered these nem elements with gesso and then painted them.
Finally, I applied gold paint only on the raised areas, to highlight the texture. You can use your fingertip or a dry brush.
This notebook became my art journal. It’s not the best notebook for the job because the paper is so thin, but I’ve done some fun things in it.
Before figuring out my improvised paint storage (contact lens cases), I had a really hard time throwing out leftover paint. Because acrylic paint dries so fast, you either use it right away or you have to throw it out. To prevent this waste I started painting whole pages with whatever colour I had made too much of. This gave me a bunch of backgrounds over which to work. Considering how panicked a blank page sometimes leaves me, having a place to start was a good thing. It made e think of colour schemes and mood for the page, according to what colour I had painted first.
The point of an art journal is to do something creative each day, even if it’s only for 10 minutes. In art school I had a graphic journal, which is similar but more focuses on drawing. It’s a way to make students practice their drawing everyday without a strict theme or project. The idea is to always have some paper and pencil (or pen) with you to make quick sketches whenever you see something interesting.
An art journal is similar but it’s more about trying out different techniques mad materials without having to make a perfect work of art every time. For some people it’s close to a scrapbook where they add a picture each day and then decorate the rest of the page, others write poetry, song lyrics, quotes, or anything else that will give them an idea or theme for the page and then decorate it. Everything is acceptable and the process is entirely personal and free.
These are the first pages I made on my art journal:
First page, with the name of the owner. Some people also add their address and phone number in case they lose it, but mine won’t leave the house, so I don’t need to.
This page was done on the day my husband left for a long trip. Some days the theme is easy.
Here I had fun making the background but didn’t finish the layout. A page doesn’t need to be completes on the same day. That’s the advantage – there are no rules. It’s a place to try out whatever you want.
This page was an attempt to share the experience with my children. My son loved the stencils and sprays and my daughter wanted to repeat everything I did. She still did a few more pages with me the following days but he wasn’t that interested.
I know none of this looks amazing but that wasn’t the point. I just wanted to have fun experimenting, and trying out my new tools ad paints without fear of messing it up. This freedom is something that’s really hard for me sometimes. I have a tendency to want to control everything and to make it all perfect, which is great for some things but terrible for artistic expression and creativity.
Although I had fun making some journal pages, what I really loved about the whole experience was making the covers, so I gathered all the notebooks I could find and subjected them to the same treatment.
This is my jewellery notebook where I sketch my pieces and take notes of the process as I’m making them.
This is my techniques notebook, where I take note of important information I may need later on.
After showing some of my work to my colleagues, one of them asked me to make a notebook for her. Since the one she chose had a thinner, flexible cover, I did all the work over some cardstock that I later glued onto the cover.
I also used a slightly different method because she asked for lighter colours. I chose a beach palette – blue, green and a sand tone – and painted all the elements separately, before gluing them on, so they would have a contrasting colour to the background.
When this one was done, and since I didn’t have any more notebooks of my own, I started on my husband’s drawing pads.
I still had blues and greens on my mind, so I used the same colours in this one. I kept these simpler because they are for drawing and the cover should not become a hindrance when using the pads. Too much volume would be a problem.
This one was similar to the first one I made but without using any sprays. I just think there isn’t much contrast between the top elements and the background. I may still do something else to it later on.
This is my favourite. I had already done the title, so I just built the rest around it, with the zombie theme in mind. I used dark red for the background and bright red for the highlights, which really pop. I sponged some black around the edges to add depth.
And there you have it. If you want to learn more about mixed media, I suggest you visit the following sites:
– Finnabair
– Such a Pretty Mess
Acaba por ser semelhante a fazer crochet só que sem precisar de agulha. Dá imenso trabalho e requer uma paciência fenomenal mas acho que o resultado compensa o esforço.
